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18/11/2014

Johnny Hallyday : "Je suis plus proche des gens"

johnny hallyday,musique

Johnny avait envie d’ouvrir son cœur et de parler de son nouvel album, Rester vivant, dont il est extrêmement fier.

Rendez-vous pris dans un grand hôtel parisien au décor feutré, il arrive, visage buriné et regard de loup cerné, à peine remis des concerts des Vieilles Canailles avec ses potes Eddy Mitchell et Jacques Dutronc.

Il tire quelques bouffées de sa cigarette électronique, entre deux questions. La voix est ferme et douce, l’homme émouvant et d’une incroyable simplicité, à la hauteur de sa légende.

Alors, on est forcément impressionné.

Rencontre.

Rester vivant, c’est vivre le temps présent à fond ?

Johnny Hallyday : C’est surtout faire les choses qu’on rêve de réaliser, être libre dans sa tête. Cet album, c’est un peu sur le temps qui passe pour moi, comme pour tout le monde.

Pourquoi avoir voulu l’enregistrer à Los Angeles ?

Johnny Hallyday : J’ai été très heureux de travailler avec Don Was (réalisateur du disque). Il m’a apporté ce que je voulais en termes de son. Cette couleur du sud des États-Unis mêlée à la sonorité de la Californie. Une couleur proche des années 1970, une époque musicale que j’adorais.

Évoquer le temps qui passe, c’est aussi faire un peu le bilan d’une vie, non ?

Johnny Hallyday : Je ne fais pas de bilan. Il n’y a pas d’amertume dans tout cela, pas de regrets. Comment dire ? Je suis passé à deux doigts de la mort après avoir été dans le coma pendant trois semaines. Quand je suis sorti du coma, j’ai vu la vie différemment.

Je pense plus aux autres. Je suis plus proche des gens. Plus proche de ma famille. Ça m’a apporté plein de choses positives plutôt que négatives. C’est un peu ça « rester vivant » ! (rires). Il y a aussi le thème de la solitude au travers d’une belle chanson, Seul.

Pourtant, on imagine mal que quelqu’un d’aussi populaire que vous puisse se sentir seul…

Johnny Hallyday : On a tous des moments de solitude. On vit avec, sauf que par moments elle est plus présente. La solitude fait partie de chacun de nous. La chanson est sur un homme qui se retrouve seul parce que sa nana s’est cassée. Ce qui arrive de temps en temps ! (rires). Une Lettre à l’enfant que j’étais est très émouvante.

Êtes-vous resté fidèle aux rêves du gamin de la Trinité ?

Johnny Hallyday : Oui, je crois. Je n’ai jamais vraiment grandi. Je suis resté aussi con qu’avant ! (rires). Je pense que je suis fidèle à celui que j’étais quand j’étais petit et à ce que l’on m’a inculqué, sur la droiture, les choses positives de la vie, sur l’honnêteté. C’est ce que j’essaie d’inculquer à mes enfants. Il faut avoir une parole et, pour moi, c’est quelque chose de très important.

Vous dites souvent que la musique vous a sauvé. Vous a-t-elle rendu heureux ?

Johnny Hallyday : Elle m’a rendu malheureux et elle m’a rendu heureux ! Cela dépend des moments. Quand je faisais des choses qui ne me plaisaient pas, ça me rendait très malheureux. Quand on est dans des grosses maisons de disques, c’est compliqué. Il y a toujours des pressions.

Il faut faire l’album, il faut qu’il y ait des tubes, que ça marche. Alors quelquefois on me forçait à faire des chansons que je n’avais pas vraiment envie de chanter, trop variétés à mon goût. Mais je les ai faites. C’est quelque chose dont je ne veux plus.

Je ne veux plus me forcer à des choses que je n’ai pas envie de faire. C’est une des raisons pour laquelle j’ai quitté mon ancienne maison de disques, d’ailleurs (Universal). Aujourd’hui, je suis très heureux d’être chez Warner. Ils me laissent faire exactement ce que j’aime et ce dont j’ai envie. Il n’y a pas d’obligation. Si je me trompe, c’est moi, et non la maison de disques ! (rires).

Le rock’n roll, ça reste votre adrénaline ?

Johnny Hallyday : Le rock’n roll d’aujourd’hui n’est plus le même qu’avant. Maintenant, j’ai une influence beaucoup plus country, R’n’B et rock.

Pour moi, le vrai rock’n roll est mort en 1965. Aujourd’hui, on accole le mot à trop de choses qui ne sont pas finalement le rock’n roll. C’est devenu un mot, ce n’est plus une musique, un genre musical. Mais, personnellement, je fais une variante entre la country, le blues et la soul music.

Une musique que j’adore. Pour moi, ce mélange fait que ça reste fidèle au rock’n roll tel que je l’ai aimé.

Vous chantez On s’habitue à tout . Est-ce qu’on s’habitue aux mauvais coups ?

Johnny Hallyday : Oui. On finit par s’habituer à tout. Ce n’est pas pour ça qu’on aime les mauvais coups, mais ça fait partie de la vie.

Vous avez fêté en juin vos soixante et 
onze ans. Comment vous sentez-vous physiquement ?

Johnny Hallyday : Je me sens en pleine forme. On ne peut pas se sentir malade toute sa vie ! (rires).

Vous êtes une force de la nature !

Johnny Hallyday : J’ai effectivement cette chance. C’est vrai que je fais beaucoup de sport pour me maintenir en forme.

Tous les matins, je fais beaucoup d’exercices pendant une heure et demie avec mon coach.

Je fais pas mal de vélo pour le souffle. C’est vrai aussi que je bois beaucoup moins qu’avant. Je fais plus attention. Je ne fume plus, hormis ces conneries, les cigarettes électroniques.

Quand j’ai envie de fumer, j’en prends, et ça me coupe l’envie parce ce que c’est tellement mauvais ! *

À part ça, je vis tout à fait normalement. J’ai une vie de famille, j’aime voir mes enfants grandir. J’ai une femme merveilleuse. Ça me stabilise et ça me rend très heureux.

Plus ça va, plus votre voix est puissante. La travaillez-vous ?

Johnny Hallyday : Non. Je n’ai jamais travaillé ma voix. Ça vient peut-être aussi du fait que je ne bois plus, ou je bois moins, et que je ne fume plus.

Il faut une force pour interpréter les chansons comme vous le faites

Johnny Hallyday : Vous savez, les paroles d’une chanson, si on ne les interprète pas comme un acteur, que ce soit pour une scène à jouer au théâtre ou au cinéma, c’est juste chanter des mots sur de la musique.

La personne qui m’a le plus inspiré dans ma vie pour l’interprétation des chansons, pour communiquer, envoyer les émotions et que les gens les reçoivent, c’est Jacques Brel. Pour moi, il aurait pu être un chanteur de blues dans la façon qu’il avait d’interpréter ses chansons. Jacques Brel m’a fait pleurer quand je l’ai vu sur scène par la façon qu’il avait d’envoyer les mots, parfois durs.

Amsterdam, c’est une sublime chanson, c’est émouvant. On ne peut pas y rester insensible.

Et Elvis, il vous a ému aussi ?

Johnny Hallyday : Pas de la même façon. Elvis, j’étais amoureux de sa voix, une voix de velours. J’ai aimé Elvis jusqu’à l’armée, jusqu’au service militaire, après, un peu moins, quand il a commencé à faire tous ses trucs sur Hawaï. Mais il reste à jamais.

Elvis est irremplaçable. On ne remplace jamais quelqu’un, de toute façon.

Vous allez partir pour une longue tournée, avec près de 50 concerts. La scène, c’est définitivement votre raison de vivre ?

Johnny Hallyday : C’est mon moteur. J’adore partir en tournée. Je vis avec mes musiciens et je travaille avec
eux sur scène comme si on était un groupe. J’ai toujours été habitué depuis mon enfance à être trimballé à droite, à gauche.

J’ai été élevé par une famille de danseurs. J’ai vécu un peu partout quand j’étais môme, au Danemark, en Finlande, en Espagne, en Allemagne, en Italie. Je suis habitué à bouger, à ne jamais rester en place. La vie de tournée me convient très bien. Tous les soirs, on rencontre un public différent, et ça, c’est formidable.

Vous vous êtes produit trois fois à la Fête de l’Humanité en 1966, 1985 et 1991. Quels souvenirs gardez-vous de ces concerts ?

Johnny Hallyday : J’aimais beaucoup Georges Marchais et j’ai même été assez ami avec lui. Moi, je m’en fous un peu, quel que soit le parti politique. Simplement, le public de la Fête de l’Humanité est un public 
super chaleureux.

J’ai toujours été traité formidablement bien quand j’ai fait mes spectacles là-bas. Grands Prix de la Sacem.

La Société des auteurs, compositeurs 
et éditeurs de musique distingue 
chaque année la carrière des artistes dont les œuvres ont marqué 
la création dans tous les répertoires. Après Serge Lama (2013), 
Catherine Ringer (2012), 
Jean-Louis Aubert (2011) et Gaëtan Roussel (2010), Johnny Hallyday va recevoir le prix spécial de la Sacem.


Une distinction particulière pour 
l’un de ses membres choisi par 
le conseil d’administration. 
Pascal Obispo, Ibrahim Maalouf, 
Rokia Traore, Ayo, Élie Semoun, 
Féloche, Martin Solveig ou Lilly Wood 
& The Prick comptent parmi les autres lauréats de cette 6e édition des grands prix de la Sacem qui aura lieu 
lundi 24 novembre, à l’Olympia. Entre chanson et son venu du sud des États-Unis. Plus que jamais en forme après des années de rock, de fiesta et de déglingue, Johnny revient avec Rester vivant (chez Warner Music), son 49e album studio.

Un disque enregistré à Los Angeles, réalisé par Don Was (producteur de certains albums des Rolling Stones ou de Bob Dylan), au son de guitares très sudiste, teinté d’ambiances rock, country et R&B. Depuis toujours, il y a deux Johnny.

Le rocker à la voix tout en puissance, capable de déplacer les stades et de mettre le feu à la tour Eiffel. Et le Johnny crooner, bouleversant interprète de ballades qui vont droit au cœur.

Une synthèse entre l’Amérique et la grande chanson française que l’on retrouve ici : « Johnny, c’est l’enfant de Brel, Brassens, Piaf, Bécaud, Aznavour, confie Bertrand Lamblot, son directeur artistique. Il vient de là et de l’Amérique, du rock’n roll et de la musique américaine. »

Michel Boue : -: http://www.humanite.fr/johnny-plus-que-jamais-vivant-557777?destination=node/557777#sthash.hKqLAJxF.dpuf

19:52 Publié dans ACTUSe-Vidéos, Musique | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : johnny hallyday, musique | |  del.icio.us |  Imprimer | | Digg! Digg |  Facebook | | Pin it!

09/11/2014

Déclaration d’amour à des quartiers méprisés

PAPA+WAS+NOT+A+ROLLING+STONE+PHOTO3.JPG

Papa was not 
a Rolling Stone, de Sylvie Ohayon. France. 1 h 39.

Dans son film, Papa was not a Rolling Stone, tiré de son roman, Sylvie Ohayon 
fait revivre La Courneuve à l’époque du brassage social dans les années 1980.

Il y a plusieurs manières de résumer Papa was not a Rolling Stone. L’une consiste à y voir un film sur une famille biologique, avec un père aux abonnés absents, plus préoccupé par sa propre copine que par son épouse, qu’il songe à quitter au profit de l’autre.

Tout beau, tout nouveau, surtout quand on peut jouer à bon marché le coq de basse-cour. La mère, elle, est victime de la futilité de l’existence. Elle a consommé trop de chansons sirupeuses lui promettant un avenir radieux pour que cela ne laisse pas de séquelles.

Pourtant, c’est elle qui, vers la fin, sera capable du geste rédempteur et sacrificiel destiné à assurer le bonheur de sa progéniture.

Aure Atika est très convaincante dans ce rôle à contre-emploi. On peut aussi voir dans le film l’histoire de deux copines liées par une amitié profonde au-delà des brouilles quotidiennes. Le rôle de la première, Stéphanie, est tenu par Doria Achour.

C’est une belle plante passionnée de danse à qui tout réussit, même dotée de la mère dont on vient de brosser le portrait.

Stéphanie s’avère d’ailleurs capable d’obtenir la mention très bien au bac qui lui vaut l’accès en prépa à Louis-le-Grand, autrement dit un sésame pour l’avenir. Fatima, rôle tenu par la formidable Soumayé 
Bocoum, est le complément indispensable du duo, jouant à merveille son rôle de godiche : c’est la bonne copine, celle qui, faute d’avoir rencontré le prince Charles, cède aux garçons en quête de bonne fortune.

L’opposition de Stéphanie et Fatima, que tout sépare, est à la source de l’humour du film et de sa tendresse. Enfin, on peut voir ce premier long métrage comme un documentaire reconstitué, une réminiscence de ce que fut la cité des 4 000 à La Courneuve dans les années 1980, soit en un temps, et avec les modes musicales et vestimentaires qui vont avec, où l’on s’appréciait entre voisins, quelle que soit son origine ethnique. C’est sans doute sous cet aspect que le portrait est le moins convenu, même si l’on ne dénigre pas les valeurs comiques que procurent les autres dimensions.

La vie de la cité, comme elle n’est jamais montrée

À travers le personnage de 
Stéphanie, en effet, c’est sa propre histoire que raconte la réalisatrice, avec l’aide de la coscénariste Sylvie Verheyde et du producteur Michaël Gentile. 
Sylvie Ohayon a grandi à La Courneuve et a voulu raconter la vie de la cité « comme elle n’est jamais montrée à la télévision ».

On sent qu’elle parle en connaissance de cause et que son film relève du portait intime nourri de toute la complexité du réel. - See more at: http://www.humanite.fr/declaration-damour-des-quartiers-meprises-554011#sthash.vrVTxzpQ.dpuf

On sent qu’elle parle en connaissance de cause et que son film relève du portait intime nourri de toute la complexité du réél.

On sent qu’elle parle en connaissance de cause et que son film relève du portait intime nourri de toute la complexité du réel. - See more at: http://www.humanite.fr/declaration-damour-des-quartiers-meprises-554011#sthash.vrVTxzpQ.dpuf

Jean Roy L'Humanité : http://www.humanite.fr/declaration-damour-des-quartiers-meprises-554011

04/10/2014

La lutte des classes au corps-à-corps

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Colin Farrell et Jessica Chastain interprètent un couple gouverné par les rapports sociaux de domination.

Photo : Pretty pictures
Liv Ullmann livre une puissante adaptation cinématographique de la pièce d’August Strindberg "Mademoiselle Julie".

August Strindberg, dramaturge suédois, écrit à la fin du XIXe siècle l’une des pièces les plus marquantes de son répertoire, une « tragédie naturaliste » montée depuis par une pléthore de metteurs en scène.

À leur nombre, Liv Ullmann, qui se voue de longue date à la mise en scène de théâtre et adapte cette fois l’œuvre au cinéma. Et c’est un saisissement d’intelligence artistique, le fruit d’une détermination de créatrice à hauteur de celle de l’auteur.

L’action se déroule ici tout entière dans un château d’Irlande, texte en anglais oblige, durant la nuit de la Saint-Jean.

À ces trois unités qu’impose la règle théâtrale, Liv Ullmann désobéit en les devançant d’un prologue qui fait retour sur l’enfance de Julie, petite fille qui file au travers de l’opulence de son domaine. À sa solitude d’alors, sa première apparition en jeune femme renverra l’écho d’une présence étrange et crue, la disharmonie d’une maigreur hantée d’un éclat fané qui parvient encore à retenir quelque lumière à la façon d’un flacon à liqueur à l’inquiétant contenu.

Mademoiselle Julie (Jessica Chastain) semble surgir de l’inconnu dans la cuisine du château paternel où tout va se jouer. Royaume des domestiques qu’elle dérange de plein droit, mêlant à la morgue de son lignage comme une avidité de pauvresse à l’échange humain, une pâle tristesse.

En allégorie du pouvoir aristocratique, les bottes d’un père que l’on ne verra jamais. John, son valet (Colin Farrell), s’emploie à les cirer avec la maîtrise revendiquée de l’absolue servitude.

Il en porte de semblables qu’il saura faire claquer dans les moments d’exaspération d’une condition sociale qui le révulse depuis toujours, mais aussi quand, dans le duel mortifère qui va l’unir un temps à Julie, il la contraindra à en rabattre sous l’empire de sa virilité.

Les enjeux de la pièce 
sont incarnés avec brio

Lutte des classes et lutte des sexes, les enjeux de la pièce sont incarnés avec brio. Aux deux personnages principaux s’ajoute celui de Kathleen, la cuisinière (Samantha Morton) à laquelle John est fiancé. Falote dans la pièce, Liv Ullmann choisit de lui donner de la consistance.

Kathleen tentera d’ordonnancer un chaos qu’elle ne peut empêcher, vivant rappel à un ordre social immuable pour qui s’anoblit de foi religieuse. Sinon, pas de figuration, ni de personnages secondaires, toute l’attention restant concentrée sur le drame, la multiplicité de ses facettes et la force expressive qui les mettra à nu sans déboucher jamais sur une vision d’ensemble univoque.

Nuit de la Saint-Jean, nuit d’ivresse et de vérités, célébration païenne de la fécondité, autorisation transitoire de quête des oracles. C’est au néant que mademoiselle Julie va se donner, scellant son avenir par l’entremise de John.

Il est né pauvre, a grandi avec une froide colère d’ascension qui l’a propulsé dans l’appropriation des codes et connaissances de la caste qu’il envie. Julie ne ressent que le vide qui l’habite, le rêve de chute qui l’angoisse et l’aimante. Elle va la première provoquer John, que son intrusion choque et tente. Elle pourrait être l’instrument de son évasion vers des sphères où il estime avoir sa place. Il pourrait être, pour elle, celui d’un avilissement suicidaire qu’elle ignore désirer.

Ils vont s’étriller, se cingler, entreprendre et achever une danse de séduction et de mépris, d’érotisme et de souillures, de fracas à mots touchants et d’insultantes retenues. Classes en lutte, femmes sans place, la terrible modernité de la pièce, son mécanisme extraordinaire de sens jailli de ce que l’on n’appelait pas encore l’inconscient, sont offerts à notre perception contemporaine avec toutes les nuances que conjuguent mise en scène, filmage et adresse de grands acteurs.

Liv Ullman, du théâtre au cinéma
Quoique norvégienne, Liv Ullmann est née à Tokyo, où son père travaille comme ingénieur des mines. La famille émigre ensuite au
Canada puis aux États-Unis pour échapper à la guerre. Sa première carrière est au théâtre. Liv Ullmann réalise aussi plusieurs films, elle obtient une certaine reconnaissance avec Sofie et un succès en Norvège avec l’adaptation d’une trilogie romanesque de l’écrivain
prix Nobel Sigrid Undset, Kristin Lavransdatte
 
 

21/09/2014

Ceci n’est pas un tableau d’Edward Hopper

hopper1.jpg

Shirley. Visions of Reality, de Gustav Deutsch. Autriche. 1 h 32

Voyage dans la peinture d’Edward Hopper, le film du cinéaste et architecte 
Gustav Deutsch nous absorbe vraiment à l’intérieur des toiles. Un étonnement enchanteur.

Les tableaux d’Edward Hopper requièrent au plus haut point la personne du spectateur, exigeant sa déambulation.

Ce n’est pas la manière de peindre mais l’essence même de sa démarche picturale qui vous place en voyeur. Force est ensuite d’en enjamber le seuil sous l’impératif de la projection. Puis, l’on reprend sa place initiale, poches emplies d’impalpable, à la façon d’un voleur qui n’aurait rien soutiré, ni dérangé. Qui n’a rêvé la voix des personnages de ses toiles habitées, la mise en mouvement de leur immobilité, quelques fragments de leurs motifs.

Ce fantasme dont la puissance peut nous fixer longtemps au sol, Gustav Deutsch nous offre le loisir, non de le réaliser, ce qui en confinerait l’espace, mais de lui offrir comme un nouveau limon d’imaginaire et de réflexion. Il a choisi treize tableaux dont il a reconstitué décors, lumières, costumes et accessoires.

Neuf ans de travail. Surtout, il a inventé un personnage féminin, Shirley (Stéphanie Cumming), s’emparant de toutes les possibilités ouvertes par Hopper, de tout ce que le peintre ne montre pas.

Dans la première pièce où se tient Shirley, les premiers mots de sa voix intérieure insultaient « l’affreuse lumière » de la chambre d’hôtel parisienne qu’elle a hâte de quitter. Les premiers plans montraient un compartiment de train, des sièges étrangement disposés et la jeune femme se détachant de l’un d’eux en amorce de l’histoire, la sienne, qu’elle va de toile en toile raconter.

Cette femme étant engagée, en art comme en politique, la trame en sera inextricablement tissée à celle du monde. À l’instar d’un roman de Dos Passos, les nouvelles nous en parviennent par bribes radiophoniques, le 28 août de chaque année de 1932 à 1963.

hopper3.jpgShirley, souvent seule dans le tableau, est une actrice qui a rejoint le Group Theatre. Elle pense que le quotidien doit alimenter le théâtre et non l’inverse. En miroir de cette mise en scène, Steve (Christoph Bach), son compagnon, photojournaliste qui doit se colleter le réel.

Gustav Deutsch nous invite à une équipée au long cours, trente ans de la vie d’une femme dans l’espace même des œuvres. Grande dépression, chômage, Seconde Guerre mondiale, maccarthysme et trahisons, architectures des plans, géométries des couleurs, le cinéaste n’est pas iconoclaste. Il affirme son propos en se gardant de l’effraction.

Son récit poétique s’ancre dans des contextes d’époques et l’inventivité, d’être déployée d’une main sûre qui use d’audace technologique, ne brise pas pour autant les cadres. Le plan fixe de la toile s’anime des mouvements de caméra.

Le montage permet une articulation inédite à laquelle aucune salle de musée ne pourrait se prêter. La musique de chaque temps adresse ses signes propres. Blues de la grande dépression, Fréhel, Big Mama Thornton ou Joan Baez chantant les droits civiques. Vision de la réalité ou ombres projetées ainsi qu’aux parois de la caverne de Platon, nul besoin de trancher.

Ne restera au fond que l’unique vérité, celle du grand soleil de Van Gogh ou d’Apollinaire. Et trois petites notes de musique

Dominique Widemann, l'Humanité  : http://www.humanite.fr/ceci-nest-pas-un-tableau-dedward-h...

09:20 Publié dans Actualités, ACTUSe-Vidéos, Cinéma | Lien permanent | Commentaires (0) | Tags : hopper, film, shirley, peinture | |  del.icio.us |  Imprimer | | Digg! Digg |  Facebook | | Pin it!